Das Käuferauge ... 5 Fragen an Vicki Taylor

Ich erinnere mich noch, wie ich 2005 in Auckland war und auf ein Geschäft namens Taylor stieß. Damals wusste ich nicht, dass es einer der prägenden Namen in der neuseeländischen Mode war, aber ich sollte bald erfahren, wie einflussreich die Marke ist.
Jahre später, während der Pariser Fashion Week, traf ich Vicki Taylor, die Gründerin von Taylor und die Visionärin hinter der Multibrand-Boutique The Shelter in Ponsonby. Damals wusste ich noch nicht, dass ich bald nach Neuseeland ziehen würde, wo ich die nächsten Jahre damit verbringen würde, einen Abschluss in Gender Studies und Kriminologie zu machen. Noch weniger konnte ich mir vorstellen, dass ich in Dunedin landen würde, wo meine Reise mit The Shelter wirklich begann.

Ich erinnere mich an einen Tag in meinem zweiten Semester, als Vicki mich kontaktierte, um sich ein Bild von Dunedin zu machen, da sie erwog, dort eine Boutique zu eröffnen. Sie fragte mich nach meiner Meinung zu einem bestimmten Standort in der Filleul Street in Central Dunedin. Ich war von der Idee aufrichtig begeistert, da ich der Meinung war, dass die Modeszene in der Region Otago von einem Multibrand-Store des Kalibers, der Vision und der Qualität, die Vicki immer in ihre Geschäfte eingebracht hat, sehr profitieren könnte.
Es ist mir sowohl eine Freude als auch eine Ehre, nun Teil des Erbes von The Shelter zu sein, mit meiner Arbeit, die an beiden Standorten in Dunedin und Auckland vertreten ist.

Ohne weitere Umschweife präsentiert die diesmonatige Ausgabe von 5 Questions For Vicki Taylor von The Shelter. In unserem Gespräch reflektiert sie, wie Mode soziale Veränderungen inspirieren kann, und erklärt, warum das Hinterlassen ihrer eigenen Fußabdrücke im Sand eine ihrer wichtigsten Quellen für kreative Erholung bleibt.

Sie sind seit vielen Jahren in dieser Branche tätig. Was begeistert Sie heute noch am Einkauf, und was hat für Sie an Bedeutung verloren?
Ich liebe es immer, die kreativen Interpretationen zu sehen, die jeder Designer jede Saison macht, woher seine Interessen kommen und wie diese in eine Kollektion übersetzt werden. Es gibt immer eine Energie, die die Arbeit jedes Designers umgibt, und ich finde, dass heute die Individualität und Authentizität jedes Designers mich immer noch begeistern. 
Was an Bedeutung verloren hat, sind meiner Meinung nach die Geschlechterbarrieren, innerhalb derer wir in meinen frühen Jahren in der Branche alle gearbeitet haben. Dieser Verlust führt zu einem positiveren Ergebnis.

Wenn Sie Stücke für Ihre Geschäfte auswählen, ist es eher Instinkt oder Strategie, und hat sich dieses Gleichgewicht im Laufe der Zeit verschoben?
Jede Saison ist es eine Mischung aus beidem. Der Instinkt führt die Suche nach Marken an, aber der Einkauf ist ein sehr mathematischer und strategischer Prozess. Während ein Einkaufsprozess theoretisch ähnlich sein mag, ist es auch enorm wichtig, seine Kunden und die Zielgruppe zu kennen. Man muss immer für morgen einkaufen, nicht für heute.

Meine neue Kollektion, Sapphica, basiert auf der Idee, dass das, was wir lieben, mehr Wert hat als Macht oder Status. Wie passt das zu der Art und Weise, wie Sie Ihre Geschäfte kuratieren?
Diese Idee ist eine, die mich persönlich sehr anspricht und die Belastungen der Welt widerspiegelt, in der wir heute leben. In unserem Geschäft konzentrieren wir uns auf das, was jeder Designer liebt, indem wir seinen eigenen einzigartigen Bereich schaffen, und wir arbeiten hart daran, dass unsere Kunden die Geschichte kennen, die der Designer mit jeder Kollektion vermitteln möchte. Die Arbeit des Designers wird ausgestellt, um die Überzeugungen und Ideale des Designers widerzuspiegeln.

Glauben Sie, dass Mode heute die Fähigkeit hat, Mainstream-Narrativen zu widerstehen, oder hat Mode ihre künstlerische Vision verloren und ist Teil eines Systems geworden, das die Kunst herausfordert?

Ich denke, wir müssen zunächst erkennen, dass es einen Unterschied und eine Spannung zwischen künstlerischer Mode – wo der Körper als Leinwand für Kreativität und Ausdruck genutzt wird – und kommerzieller Mode gibt, die von Konsum und Verbrauch angetrieben wird.
Ich bin fest davon überzeugt, dass künstlerische Mode Mainstream-Narrativen widerstehen und Veränderungen bewirken kann; das sahen wir in den 80er Jahren bei Gaultiers Arbeit und der Herausforderung des vermeintlichen Luxus durch Margiela, Yohji und Comme des Garçons in den 1990er Jahren. 
Der Nachteil ist, dass Mode immer noch von einer kapitalistischen Infrastruktur angetrieben wird. Mode kann sicherlich erfolgreiche Gespräche über Veränderungen anstoßen, kulturelle Perspektiven verschieben und eine visuelle Sprache bieten, um zu protestieren und Veränderungen zu illustrieren. Um den Mainstream-Narrativen vollständig zu widerstehen, müssen die Kleidungsstücke Kunst bleiben und dürfen nicht zu Produkten der kommerziellen Maschinerie werden. Ich denke, heute ist es wichtig, dass Kleidungsstücke Bedeutung haben und nicht nur existieren, weil sie gut aussehen.

Außerhalb der Arbeit, wohin in der Welt begeben Sie sich, physisch oder mental, um wirklich aufzutanken, und was an diesem Ort stellt Sie wieder her?
Als Kreativer ist es wichtig, sich aufzuladen und neu zu orientieren. Ich habe das Glück, in der Natur auftanken zu können, und da ich in Neuseeland lebe, sind unsere abgelegenen und unberührten Landschaften nie mehr als ein paar Stunden Fahrt entfernt. Ich finde, es gibt nichts Besseres, als dem Alltag zu entfliehen und völlig von kontrastreichen Landschaften, Sonnenaufgängen und leeren Stränden umgeben zu sein, wo meine Fußabdrücke die einzigen im Sand sind. Ich liebe es, diese zu erkunden, wenn die Dunkelheit zu schwinden beginnt und wenn die Sonne aufgeht und Lichtstrahlen auf die Welt wirft, ich liebe die Ruhe, kurz bevor die Welt erwacht. Nichts ist inspirierender als die Schönheit von Mutter Natur.